前言

最近，想要绘制《再见，江湖》OPD 的想法越来越强烈，趁着这个热情，赶紧提笔练一练动势。通常情况下 ，我只有在自己绘画欲望最强烈时，才会拿起笔画上一阵，否则打死也不愿意动笔。

从自学绘画到现在，差不多两年半，趁着热乎劲正好进行一次梳理。（我发现一个时间认知上的错误：之前一直以为自己断断续续学绘画的时间是三个月，整理以后，发现 2021 年我进行了密集的绘画学习，总体时长应该是四五个月左右。而 2022 年基本没有学习绘画。）

开发游戏的过程中，我发现一个问题：市面上没有专门面向独立游戏人的绘画指南，很多时候，大家都处在一种知识的诅咒之下，不得不按其他行业的方式进行学习。这导致了进度过慢，或者学了一大堆用不上的技巧。

比如我，最初只想要快速学习绘制行走的 2D 造型，但市面上并不存在没有基本功就能够学会的教材。

希望这篇文章能给那些在黑夜里，不得不提笔为剑的独立游戏开发者提供一些帮助。

为何想要这种教材？

做个类比，这就好像你想要写“Hello，World”，却不得不学习设计模式，最终用设计模式输出“Hello，World” 。当你质疑设计模式是否必要时，周围的声浪会告诉你，只有这样才能让你走上正道。

此外，另一种生成绘画资产的方式则有些极端——零基础，但通过对软件的熟练运用以大量时间来换取美术资产。

而这篇文章，记录了我个人在自学绘画时的取舍、学习、思考过程，希望能给观者不一样的启发。当然，它还无法称得上独立游戏开发者的绘画指南，但或许能成为一些未来思路的种子。

标题虽称邪路，实际上也不算邪，因为这几年（国内）学习绘画的思路已经产生了巨大变化。

需要提一下的是，这篇日志适用范围较窄，仅适配独立游戏开发者。因为在通常的游戏设计团队，一名美术几乎是标配，而开发独立游戏，许多时候要自己提笔上阵。另一些时候，比如我们在设计原型时，也很难找到愿意为你绘制相应图案的画师，只能想办法自行解决。

本文在绘画学习的方向上进行了取舍，比如插画、厚涂之类大版式绘画会被跳过，而专攻素材与基础造型的设计。

后文可能会使用许多游戏开发方面的术语，比如 UV、材质球、建模、Shading（绘画的 shading，而不是 CG 的），不再一一解释。

起源

在我的独立游戏开工以前，我说服了几位传统艺术生（老朋友）参与此事。他们答应抽出时间学习游戏美术设计，其中一位更是恰逢离职期。

为了激励朋友，我最开始也提笔上阵，激励他们绘画。

此法最初确实有效。看到我画的作品那么丑，他们自信心开始爆棚，画了一幅又一幅漂亮的素描。

接下来半年，他们一边温习传统绘画，一边接设计稿（各自职业的外包），然后就干了件“蠢事”：去观摩老手们的作品——发现巨大鸿沟以后，他们开始陷入自我内耗，进而绘画 ED。

于是我又一次抛出“电击”疗法——通过展示 PS 的大功率效果，让他们看到纸上绘画转为数字绘画后的“成倍提升”。

但这一次，他们坚持认为，系统学习游戏绘画必须要很多年的沉淀才可行。即便我拿出很简单的游戏素材跟他们说明，他们也已一蹶不振。

于是，2020 年的 8 月，我开始着手为自己绘画作准备。

疑惑

事实上，2020 年并不是我第一次尝试学习绘画。之前，我在公司曾请教过多位画师如何学习绘画，答案出奇的一致：素描是一切的根源。

而以此为前提，我学习的过程几乎不变：摆好素描纸-修好铅笔-画上几笔-皱皱眉-然后将纸笔原封不动收好。

当然，也有过例外。

比如某次，我看了本入门绘画教程，顿觉“领悟”了绘画原理：把要绘画的对象通过比例和二维坐标进行标注，然后连线，进行像素级复刻。可花两三个小时进行标注和连线以后，我便不知道下一步该怎么做，于是——将纸笔原封不动收好。

同样的故事，在许多年里上演过无数次。

这说明，我不是什么具有天赋的画师，更多时候只是普通人。但在 2020 年这个节点，我对一直遵循的前提产生了截然不同的观点，这来自于我的技术沉淀带来的新认知，让我重新思考了那个命题——素描是一切根源...吗？

猜想

很早很早以前，我就曾想利用 3D 建模的逻辑进行绘画。那时候，我拿着一些具有透视的绘画成品图给美术同事，问他们这是不是以‘3D 建模’的方式绘制的，能不能这么绘画？

他们答曰，不是 3D 叠画。可以绘制这种透视造型，但这是大神的绘画方式，小白应该画素描。

但到了 2020 年，我开始质疑他们的认知，一个很大的原因是我对 3D 工具很熟悉，我认为自己具备补救手段(当然，这是误区)。

在动手以前，我思考着需要解决的问题：

1. 怎么确定形状？
2. 怎么画线条，什么线条是对的？
3. 怎么画人？
4. 最好的训练是什么？
5. 怎么让自己的画产生自我风格？如何快速学习别人的风格?
6. 该怎么上色，怎么学习？

这都作为小白的我，当时所带着的思考。

（说画素描能解决绘画问题的，就好像说把别人的代码抄一遍就能学会，都是流氓逻辑）

相应的，当时我也有被很多人带偏的刻板印象：

1. 怎么确定形状？
   • 多画，熟练度。
2. 怎么画线条，什么线条是对的？
   • ‘一笔过’（许多艺术生带给我的刻板认知）
3. 怎么画人？
   • 写生，大量临摹。
4. 最好的训练是什么？
   • 素描
5. 怎么让自己的画产生自我风格？如何快速学习别人的风格?
   • 需要长年累月才能够产生风格
6. 该怎么上色，怎么学习？
   • 天生的

我花了两三周时间，看了大量中美日韩的美术教程，重新猜想：

1. 怎么确定形状？
   • 第一种可能，形状就像平面坐标，只要有了标记就可以；第二种可能，像 3D 软件一样，具有某种能够进行投影的方法，而通过这种方式绘制出来的物体，能够标记 UV。
2. 怎么画线条，什么线条是对的？
   • CSI，至于对错则需要看风格的统一性。
3. 怎么画人？
   • 动势训练，15s,30s,1min,2min。
4. 最好的训练是什么？
   • 快速的速写，2min 以内的。
5. 怎么让自己的画产生自我风格？如何快速学习别人的风格?
   • 公式书，肌理表达，造型变化规律。
6. 该怎么上色，怎么学习？
   • 学习色彩原理，明白光影逻辑，可以把学习 Shader 的知识应用到绘画上，了解 PBR 的各个参数与实际绘画的关系。

（常看书籍参考：《How to draw》《How to render》《透视画法入门》《美国人物速写基础教程》《人体绘画：设计与创造》，Force 系列）

我除了对绘画路线有些猜想外，对人体机能也有猜想。因为我也常年进行体能训练，学习过一些体能原理，知道体能的新高来自于恢复期后。

这带来了我对绘画的机能思考：当我们进行大量绘画以后，手臂的肌肉需要时间进行恢复。恢复以后，绘画技巧将能够带来提升。

在传统的体能训练里，负重训练需要多日恢复，而有氧运动则需要一日左右。根据绘画时长来猜测，一天时间左右应该足够。

基于此，我定下了自己学习绘画的 73 比例原则:7 分看书，3 分绘画。

• 在看书时，标记重点，制定第二日的训练目的和总结（大量的计划目的，避免出现盲目状态）
• 次日开始大量训练以及实践
• 第三日看书休息

而初期的机能训练，则是通过缠绕线来提升控笔的准确度（如果垫张纸，或许能够提升更多准确度）。

作为独立游戏开发者，我们或许应该着眼于最快速学会资产的创作。那种大版式插画可以直接放弃，这能够节省大量学习时间。

实践

我的绘画原则：决不临摹。

（只有在研究风格时，我才会通过临摹去理解大师们创作的思路。所以，日志里这些草稿都会很狼狈。）

2020 年

在书籍吸收上，我更注重作者的逻辑思路，如果教材写得很混乱，这本书会被我束之高阁。在这方面，美国的教材逻辑性极强，而日本的教材逻辑性则非常差。

• 美式教材的特点：不会告诉你怎么一步步画，只会告诉你，你的感受是怎么出现的。
• 日式教材则相反：不会告诉你感受怎么出现，只会说你这样画就对了，例子就是一步、一步、一步……

美式教材对于习惯教条主义的人而言，可能会比较痛苦，但如果你的学习习惯良好，喜欢变化，那么美式教材简直就是量身定做。

而日式教材则比较迷惑，他经常把“原理”说得很有门道。当你落笔变化时，却大脑空白。

国内也有这种情况，我认识的几位水平相当好的画师，对原理的理解几乎为零。但这不妨碍他一本正经的，一口一个色彩，一口一个解剖，哪怕他的理解全都是错的。

（之所以我能确定他们在胡扯，是因为我知道渲染原理。他们聊画面的脏感时，说色彩饱和要高，但是纯度要低，但实际上这是一个东西；“木头能反射出紫光，因为木头材质好”，实际上明白金属度的概念以后，就知道这就是胡说八道；还有，当我开始学习艺用解剖以后，发现他们大量的错误。）

这就出现了一个很矛盾的现象：即便画手对原理的理解十分薄弱，依然能够绘制出十分出彩的作品。

这些现象产生了三个点：

• 原理有没有用？
• 原理对于绘画有多少作用？
• 如果你的老师是这种鬼扯但画功老练的人，你该怎么办？
  • 打个夸张的比喻，他们很像一种解题选手，十年如一日把所有数学题背下来，甚至达到数学答卷能拿满分得程度。他们还能按照自己的理解方式重新解释数学逻辑，这种时候，他们的解释就具有巨大的迷惑性。
  • 这种巨大的迷惑，时刻让你动摇，直到有一天，你发现他物理试卷考了个零分，才如梦初醒。

对于我来说，逻辑路线和经验学派路线，我自然选择逻辑路线（因为素描纸和铅笔已经积了一层厚厚的灰尘）。这里不得不感谢 K 神，他的绘画思路让我的实践产生了巨大动力。

因为有时候，只靠猜想进行实践是非常困难的，就好像游戏设计产生的迷茫感。而有人干了一件能够证明“猜想可行”的事以后，实践就会充满动力。

（很遗憾，大部分好的绘画教程都偏向插画，而不是游戏素材绘制。作为独立游戏人，追求效率是必然的，为了效率，压缩学习路径，舍弃插画厚涂这些知识将能够更快速地进行实质学习。）

首先自然是解决猜想的第一个问题：形状的产生

稍微思考便可得知，如果以平面坐标的方式学习，那么将利于临摹但不利于创作。自然，学习的路线将变为以透视原理进行投影的方式为主，而未来将尝试在物体表面绘制 UV。

通过阅读《How to draw》，能够明白工业设计的工作流不适合独立游戏创作。因为繁琐的原理，将极大地损耗时间，降低效率。但这本书，把充满逻辑的造型设计可能性描绘了出来。

而 K 神对不同角度的枚举方式，则可以极大提升效率（所谓枚举，是指正方体经过不同方式的旋转，产生的正方形上下左右比例的不同。通过记下这个技巧，可以短期内迅速绘制出多样性的 Box 叠加）。

而《人体绘画：设计与创造》这本书，把椭圆透视拓展出了更多快速技法。椭圆透视是绘画的支柱之一，掌握此技如掌握雷电。

如果绘画者掌握了椭圆透视，那么对很多线条走势的把握将迈上一个台阶，比如软管的理解。

在 2020 年里，我抽出了大约一个月时间，通过实践，制定自己未来的绘画计划。在这个过程中，我犯了许多传统认知里的‘忌讳’。

比如浅尝辄止的草稿，一般认为画一幅完整的作品更有利于成长，但我反其道而行，纯拆解训练。

比如早期学习人体解剖，《人体绘画：设计与创造》是从头部开始的。

对线条力量的理解（为了理解线条的 Force 进行的摸索，一般认知会希望新手画得更“像”）。

为了更好地理解体积感，我甚至直接跨越到研究对布料的理解。

强行理解公式书。

在 2020 年的 8 月，我跳过一部分学习的必经之路，为的是想要试着制造成品，比如带有材质的造型。通过绘制这些，评估自己是否具备绘制素材的能力。

以及，试着设计。

还有之前某篇日志提到的，用低效率烧时间的尝试。

我个人讨厌铅笔带来的脏感，所以都是钢笔直接绘制。

2021 年

这一年的 2 月份，确定朋友彻底倒下后，我停下了代码和策划工作，开始投入精力学习绘画。

这时候开始考虑如何解决第二个问题：CSI 与‘Force’带来的视觉感受。

美式教材讲解线条时，通常会讲到 CSI 的问题，他们认为所有的绘画皆由 CSI 组成（或者说，好的绘画应该是由 CSI 构成）。

大概解释一番：

• 所谓的 CSI 是指线条分为三种不同型，分别是 C、S 和 I，这三型构成一切。
• 而人们观测图案时，很多时候是出于对‘Force’的本能感受，也就是‘势’，万物都有一个‘势’。
• 如果能够使用简单的 CSI 就能展示出一个‘势’，那么绘画者观测的水平将能够极大提升。

（书中一个很好的案例：高效地使用了适当的比例、留白、以及椭圆透视与 C 型 Pose。）

为了掌握 CSI 和 Force，我花费了一周专门训练。

第一天绘制的效果并不好。

于是我重新思考：是不是要让速写训练变得更粗暴，粗暴到让自己的某个神经突触能够本能理解。

通过之前对绘画原理的积累，我判断15 秒的速写练习能够贴合我的目标：然后花了两三天专门训练。

这种绘画训练的好处非常显性，在极端紧张的时间内压榨绘画者的感受，然后就能够得到提升。

这时候，我又开始尝试能不能创造。

如果按照对过往学习经验的理解，这必然是底层逻辑没理清楚，导致运用时大脑空白。那么，缺少的是什么?

当然是相关的解剖结构，认清这个也很简单：3D 模型与绘画逻辑具有相似性，如果 LowPoly 问题不大，那么加减法就很容易。

如此，绘画的结构比重想必极高。遂从头骨的解剖开始（一边绘画，一边试图变形）：

头骨学习完毕，立刻上实操：

再次拾起去年的那张稿件尝试变化：

试着制作一些完整的美术资产（不再是黑白，而是带有颜色的）：

这也是第一次分析绘画的图层与游戏里的实际图层。我想要让镜头移动时，整个画布都处在某种动态之中。

游戏美术不是随心所欲，而是需要预知到未来某些方面使用的可能性。而这个简单的规范，也可用以跟画师讨论，清晰地表达画布分层的描述。

尝试绘制前景，制造视觉遮挡，提升游戏难度（也是为了掩盖自己的绘画能力的不足）。

这是一种尝试，试一下随心所欲的效果与严谨的工程制图范式，哪种会更有趣。

场景敲定以后，我决定试着绘制 UI。风格方向，个人比较喜欢墨比斯和鸟山明的画面感，于是研究他们关于肌理的表达方式。他们的表达风格很像铜版画与钢笔画。

但此刻，我几乎没有关于上色的技巧经验，于是尝试从素描去理解上色的原理（到了此时，才是真正意义上的第一次素描）。

额外的 5min 明暗感训练

这时候再回到最初的 UI 设计，进行上色（这里省略了一些关于别人色彩的分析理解，但因为没有留存色彩分析的过程，所以无法记录）。

开始尝试进一步绘制 Icon。

此时已经是 21 年 5 月，才意识到一直在绘画没有写代码，加之想到动画成本问题，一核算，发现这项目肯定做不了……压力开始剧增，于是想做一个轻松的跑团游戏。

之后的几个月，为了保持手感以及学习肌理绘画，我时常进行速写练习。这次的方向变为随心所欲地尝试，试试能否理解到什么。

比较悲催的是，到了 2022 年，在我决定把绘画难度压到极低的情况下，仍然造成了《抛投大乱斗！》的灾难……

总结

我很想用老生常谈当开头，但是想要从搜索引擎里搜寻这些知识，却发现极少有人在讨论，或者压根没有。

• 比如 RoboBean 的技巧
• 透视里怎么确定 VP
• 视锥 60° 是什么意思？

而一些类似 CSI 的话题，也算得上老生常谈的知识，但当你拿着这个问题去问旧世代的传统艺术生时，却又会惊奇地发现他们不知道 CSI 是什么。

RB（RoboBean）的这个技法，能够从大量美式教材里看到，但传统或者日式的教材里，几乎毫无踪影。

从美式与日式教材似乎可以得出结论：

• 训练是为了弥补理论的缺失位。
• 说得更通俗易懂些：即便你没有绘画理论基础，你一样可以画得非常棒，但这是建立在海量的训练之上。而如果你的绘画理论吸收得很好，那么你甚至不需要多少训练。

就我个人感受而言，能够绘画是一件非常有用的事情。

1. 画到纸上，让机制更清晰，能够快速感受到游戏的设计是否有趣；
2. 绘画比文字更能传达感受；
3. 对美术资产复用的理解加深了，能够更好传达；
4. 在将玩法具现化的过程中，相当于“体验”了一轮游戏，能够朦胧地感受到游戏的乐趣。

纸上得来终觉浅，很多道理说起来头头是道很容易，但真的落地时，却步履艰难。

在我最初学习绘画时，几位传统艺术生朋友对我进行了大量“指导”，不断督促我练习素描。但我非常明白，这种传统的学习方式我已经试过无数遍，再试，也只能证明我是个疯子。

而在对抗传统这件事上，我不断地迷茫、不解、怀疑、试错。如果你跟我一样，也想试着跳出原来的框，不妨大胆假设，小心求证，看一看我推荐的那几本书，说不定会有不一样的收获。

后记

绘画这个事情本来想过个三五年再谈，因为届时我的绘画大概率有小成，或许更有“说服力”。但转念一想，觉得现在发出来意义可能会更大，因为无论失败成功与否，都能佐证一些猜想（事实上，只有在自己最拙劣时的感受，才最真实）。

如果我一定要等到自己的绘画小成才分享，那时的观者与我对绘画学习的猜想就会变成心理对抗，观者会认为我在用结果论证过程。

最近也思考了自己写的日志的问题，结论是应尽量贴合项目进行分析和分享。因为开发过程很繁琐，如果不是走在同一个方向上的开发者，想要理解细分思考实则非常晦涩。如果有足够长的周期，那么还能够抽出一些有趣的事情整合分享。

之前的想法是以项目每周的综合经历进行分享，但实际上可以拆开，这样可以减少写日志带来的额外压力。

这周不进行日志分享，而是分享关于学习绘画的故事。未来可能改为两周或者更长的周期写开发日志，因为那样比较容易抽出一些通识性的思考进行写作与分享。

最后，开发者应多交流，让灵感擦出火花。